Thank you, Mr. Fonda

El sello de Henry Fonda

2012-01-14T13:45:00.003+01:00

El 20 de Mayo de 2005, coincidiendo con el centenario del nacimiento de Henry Fonda (el actor llegó a este mundo el 16 de Mayo de 1905), el servicio postal americano añadía su imagen como nuevo sello postal en su serie conmemorativa de Leyendas de Hollywood.

"The Legends of Hollywood" es una serie de sellos conmemorativos, expedidos por el Servicio Postal Americano, que fue iniciada en 1995 con la mítica Marilyn Monroe. Desde entonces, cada año, una leyenda de Hollywood, actor, actriz o director, ha sido homenajeado en esta colección.

Así, tras Marilyn, llegaron otras grandes figuras del cine como Humphrey Bogart, James Cagney, Lucille Ball, John Wayne...

Y Henry Fonda, que hacía el número 11 de esta serie. Y tras Fonda, otras grandes leyendas de la pantalla como James Stewart, Bette Davis, Katharine Hepburn... Y Gregory Peck, que aparecía el pasado año 2011.

Para diseñar el sello de Henry Fonda fue elegido el artista americano Drew Struzan, bien conocido por sus más de 180 pósters para películas, entre otros los pertenecientes a las sagas de Indiana Jones, Regreso al futuro o Star Wars.

Struzan eligió como inspiración para su sello una fotografía de Henry Fonda que fue tomada en 1941 por el fotógrafo de estudio Frank Powolny. Y a la derecha de su serie de sellos, una imagen de Fonda caracterizado como Tom Joad, su inolvidable personaje del clásico de 1940 "Las uvas de la ira", y un texto que reza lo siguiente:

"Henry Fonda (1905-1982) destacó por su naturalidad y sinceridad en los papeles que interpretó en los escenarios y en la pantalla. Eficaz tanto en comedia como en drama, dio vida por lo general a hombres reflexivos e íntegros. En una carrera cercana a los 50 años, obtuvo multitud de honores, incluyendo un Premio Tony en 1948 por su trabajo en la producción de Broadway 'Mr. Roberts' y el Oscar al mejor actor en 1982 por 'En el estanque dorado'"

John F. Walsh, vicepresidente del servicio postal,

junto a Jane Fonda y Shirlee, viuda de Henry

Legendario sello el de Henry Fonda que el actor supo también imprimir en sus películas. En su forma de actuar, en su forma de caminar, en su forma de sonreir, en su forma de estar ante las cámaras...

El inconfundible e inimitable sello Fonda.

¡¡¡ FELIZ 2012 !!!

2012-01-01T00:23:00.000+01:00

WYATT EARP

2011-11-28T14:28:00.009+01:00

Durante su primera etapa cinematográfica como ayudante de su hermano Francis, el director John Ford conoció personalmente al verdadero Wyatt Earp, figura legendaria del Oeste americano que por aquel entonces ejercía como asesor de westerns en Hollywood.

“Era un hombre bastante corpulento, muy avaro en palabras, de una calma sorprendente. No era un buen tirador, pero como era muy valiente se acercaba mucho a su adversario antes de disparar… En los primeros días del cine mudo venía un par de veces al año a visitar a sus camaradas y a los cowboys que había conocido en Tombstone. Algunos pertenecían a nuestra compañía. En aquellos tiempos creo que yo era ayudante de atrezzo. Yo le daba una silla y una taza de café y él me hablaba de la batalla del O.K. Corral”

Ya en 1946, Ford se disponía a cumplir con su última obligación contractual con la Fox y eligió para ello un western, “Pasión de los fuertes” (My darling Clementine).

Producción de Darryl F. Zanuck y Samuel G. Engel para la Twentieth Century Fox, contaba con un guión escrito por Winston Miller y el propio Engel sobre una historia de Sam Hellman basada a su vez en el libro de Stuart N. Lake “Wyatt Earp: Frontier Marshal”. La impecable fotografía de Joe Mac Donald y la banda sonora de Cyril Mockridge contribuían a la buena factura de esta producción.

“A Ford le gustaba su forma de caminar. Le encantaba seguirle. Hubiera sido capaz de mirarle recorrer una calle entera. Su forma de andar era única. En otras palabras, el estilo de Fonda armonizaba a la perfección con el estilo de Ford”

(Winston Miller)

El protagonista de “Pasión de los fuertes”, Wyatt Earp, era un personaje hecho a la medida de Henry Fonda. Suponía, asimismo, la primera producción cinematográfica de Fonda tras sus tres años en la Marina durante la Segunda Guerra Mundial.

Durante la historia, además, se nos mostraba a un Wyatt Earp íntegro y decidido que también resultaba ser entrañablemente humano. Como en la inolvidable escena en la que Earp es acicalado por el barbero, quien le añade su “toque” final.

Morgan: “Apuesto cualquier cosa a que a eso van,

a una misa de campaña”…

Virgil: “Puede ser… Pues hasta me parece que noto
un perfume de azahar…”

Wyatt: “Soy yo… El barbero”

Wyatt, Morgan y Virgil Earp

Morgan y Virgil Earp, los dos hermanos de Wyatt que al mismo tiempo eran sus ayudantes en el cumplimiento de la ley, eran aquí interpretados, respectivamente, por Ward Bord y Tim Holt.

“Oh, my darling Clementine”, precioso tema que da título a la película en el original y protagoniza también el comienzo de la misma, es una canción popular estadounidense atribuida unas veces a Percy Montrose y otras a Barker Bradford. Se cree además que está basada en otra anterior de H. S. Thompson llamada “Down by the river Liv’d a Maiden”.

Clementine: “Me gusta su ciudad por la mañana, sheriff.
El aire es tan puro y tan claro, y este aroma como de azahar…”

Wyatt: “Soy yo… El barbero”

Para el personaje de la dulce Clementine, fue considerada en un principio Jeanne Crain. Finalmente, la elegida fue Cathy Downs. Actriz que protagoniza aquí junto a Fonda uno de los más entrañables bailes de toda la filmografia de John Ford.

Wyatt: “Mac, ¿nunca has estado enamorado?”

Mac: “No, he sido camarero toda mi vida”

Completaban más que correctamente el reparto Victor Mature y Linda Darnell, como Doc Holliday y Chihuahua, respectivamente. Y Jane Darwell, John Ireland, Alan Mowbray, Grant Withers, Russell Simpson, Mae Marsh...

“Cuando se saca el revólver hay que matar”

Y Walter Brennan, extraordinario aquí como cabeza de familia de los malvados Clanton. Brennan consigue realmente con su magistral interpretación que nos olvidemos por completo de que es él. Su Pa Clanton forma ya parte integrante, por derecho propio, de la antología de malos del lejano Oeste.

Los interiores de “Pasión de los fuertes” se filmaron en Hollywood, en los estudios de la Fox, ascendiendo el coste de los decorados de Tombstone hasta un total de 250.000 dólares.

Para rodar los exteriores, el equipo se trasladó al noroeste de Monument Valley, en el estado de Arizona.

Una vez finalizado el rodaje, la Fox entregó el hermoso decorado de Tombstone al consejo tribal de los navajos para que dispusieran de él a su antojo. Estuvo allí durante 5 años, hasta 1951, en que fue vendido como restos y desmontado.

“Pasión de los fuertes” era estrenada en San Francisco (California) el 16 de Octubre de 1946. Fue recibida con una taquilla aceptable, que ingresó poco más de 2.800.000 dólares, y con críticas mayoritariamente positivas.

“Con su tranquila, aunque persuasiva seguridad, y con su deliciosa entonación a base de palabras cortas, nos muestra un personaje sencillo que es tan real como la suciedad que pisa”

(Bosley Crowther del “New York Times”)

Legendario personaje que devolvió a Henry Fonda su posición estelar en el mundo del cine. Su Wyatt Earp, esencialmente tranquilo, lacónico, llano y básicamente moral, era la misma imagen que había establecido el actor en la gran pantalla antes de la guerra.

“No sabe usted cuánto me gusta su nombre… Clementine”

HENRY FONDA EN PORTADA

2011-09-30T22:18:00.000+02:00

A lo largo de su extensa carrera como actor, Henry Fonda apareció en multitud de portadas de revistas y publicaciones relacionadas con su arte interpretativo.

Su destacado trabajo en la gran pantalla quedó así reflejado en revistas cinematográficas como “Picturegoer”, “Picture Show”, “The family circle”, “Movie Story”, “Films and filming” o “Cinema”…

Picturegoer Magazine. Junio 1938

The Family Circle Magazine. Abril 1939

Movie Story Magazine. Diciembre 1939

Movie Story Magazine. Abril 1941

Picture Show Magazine. 1940

Picture Show Magazine. 1941

Films and Filming. Agosto 1959

Cinema Magazine. Abril 1982

Sus exitosas actuaciones teatrales tuvieron su eco en publicaciones como “Playbill” o “Theatre Arts”…

Playbill Magazine. Octubre 1949

Playbill Magazine. Abril 1952

Theatre Arts Magazine. Abril 1954

Playbill Magazine. Mayo 1958

Playbill Magazine. Febrero 1961

Y su impecable incursión en la pequeña pantalla quedaba también reflejada en las guías televisivas del momento…

TV News Magazine. Febrero 1971

TV Guide Magazine. Mayo 1971

El prestigio y popularidad de Henry Fonda le llevó también a figurar en la portada de otra serie de publicaciones. Como la revista People…

People Magazine. Abril 1975

People Magazine. Abril 1982

O la revista Life…

Life Magazine. Junio 1955

Life Magazine. Febrero 1960

Henry Fonda nos dejó en 1982, pero su legado en el mundo de la interpretación sigue estando presente entre nosotros…

AMC Magazine. Julio 1995

AMC Magazine. Mayo 1998

Now Playing Magazine. Octubre 2007

Es lo que tiene ser una leyenda.

HANK Y JIMMY, FONDA Y STEWART

2011-07-21T11:45:00.019+02:00

“Le miré y me senté allí, sacudiendo la cabeza y preguntándome: ‘¿De dónde ha salido? ¿Cómo demonios ha conseguido ser tan bueno?’. Allí estaba yo, gastando la suela de mis zapatos intentando abrirme camino en el teatro, y ese tipo desganado, Stewart, simplemente parecía haber caído en él”

(Henry Fonda)

“Thank you, Mr. Fonda” cumple hoy su segundo aniversario. Y Hank y yo hemos decidido invitar a su mejor amigo, James Stewart, para celebrar a lo grande este feliz acontecimiento.

En el verano de 1932, mientras intentaba abrirse camino como actor, Henry Fonda compartió en Manhattan un apartamento con Joshua Logan y Myron McCormick. Y con otro joven llamado James Stewart con el que Fonda había congeniado anteriormente tras coincidir con él en una compañía teatral.

"Henry me animó muchísimo para que probara suerte en Broadway y por ello le acompañé. Fue una época estupenda en la que todos estábamos empezando. Teníamos un apartamento de tres habitaciones en el 63 de la calle West de Central Park”

(James Stewart)

El edificio donde se hallaba dicho apartamento era famoso como parada de las prostitutas que trabajaban en el vecindario. Además, estaba a dos puertas de distancia del hotel que el gángster Legs Diamond utilizaba como base de operaciones. Pero a Hank y a sus compañeros de piso les preocupaba más el conseguir mantener a su casero al corriente de pago.

“Había épocas en que todos juntos apenas teníamos treinta y cinco dólares semanales. Un par de veces volvimos a casa para encontrarnos el lugar cerrado porque no habíamos pagado el alquiler”

(James Stewart)

No en vano llamaban al piso “Casa Gangrena“, pues ahí realmente hacían milagros para sobrevivir.

“Eran jóvenes actores que luchaban en Nueva York por conseguir papeles pequeños, esperando su gran oportunidad. En su tiempo libre, y tenían mucho, construían maquetas de aeroplanos, una afición de la que se quedaron colgados”

(Jane Fonda)

Un año más tarde, Hank y Jimmy volvieron a compartir piso en Nueva York, esta vez en el Hotel Madison Square. Fonda había conseguido el puesto de suplente del protagonista de la obra teatral “All the good americans” y como el productor necesitaba a alguien que supiese tocar el acordeón, y Stewart sabía, se unió él también a la obra.

Henry fue el primero de los dos en dar el salto a la gran pantalla. La película se llamó “Contrastes” y en ella Hank interpretaba el papel de un granjero.

"Me llamaba de vez en cuando. Yo le preguntaba que qué tal iban las cosas. Y lo único que él quería saber era cómo iba la maqueta del aeroplano”

(James Stewart)

En Junio de 1935, James Stewart llegó a Hollywood contratado por la MGM. Henry Fonda ya estaba allí, desde Febrero de ese mismo año contratado en su caso por la Fox, y ya había dejado como actor una buena impresión a través de la gran pantalla.

Hank fue a recibir a Jimmy a la estación y le llevó a la casa que tenía alquilada por gentileza de la 20th Century Fox, evidentemente nada que ver con las que habían compartido los dos actores en Nueva York. Con Greta Garbo como vecina, pronto se convirtieron en dos de los solteros más codiciados de la ciudad. Orson Welles también les conoció en aquella época.

“Creí que esos dos tipos o bien estaban engañando a todo el mundo mientras tenían el romance más tórrido de Hollywood o bien eran los dos seres humanos más honrados que había conocido en mi vida. Llegué a la conclusión de que eran los dos seres humanos más honrados que había conocido en mi vida”

A menudo, en esta época, Fonda y Stewart pasaban noches enteras intercambiando sólo monosílabos y enfrascados en su actividad favorita: hacer maquetas de aviones.

En 1940, Hank y Jimmy se unieron a otras estrellas de Hollywood para recaudar fondos en una gala benéfica. Casi todo Houston acudió al Coliseum para ver a James y a Henry actuar como magos aficionados e interpretar un dueto, Fonda al clarinete y Stewart al acordeón.

Tras la Segunda Guerra Mundial, Stewart, que abandonó el ejército al mismo tiempo que Fonda y no tenía dónde vivir porque había alquilado su casa, aceptó la oferta de Henry y su entonces mujer Frances para ser su invitado en “Tigertail”, la casa de la familia Fonda. Stewart acabó quedándose ahí casi tres meses.

Período éste en el que, todas las noches, Hank y Jimmy concluían sus veladas sociales encerrándose en el “Playhouse”, pequeña dependencia de la casa que Henry había construído para sus hijos Jane y Peter. Mientras Frances y los niños dormían en la casa principal, los dos actores escuchaban ahí viejos discos de jazz o pasaban las horas muertas intercambiando historias sobre la guerra.

“Mi padre y Jimmy Stewart encajaron muy bien desde la primera vez que se vieron en los años 30. Siempre pensé que ambos eran muy parecidos. Los dos tímidos pero con un sentido del humor especial. Qué lástima que no trabajaran juntos con frecuencia, porque cuando lo hicieron resultó una gran espectáculo”

(Jane Fonda)

En 1948, Hank y Jimmy tuvieron la primera oportunidad de trabajar juntos en una película. “Una encuesta llamada milagro” (On our merry way) respondía al auge de los filmes compuestos por varios episodios que durante un tiempo gozaron de bastante aceptación en Hollywood.

James Stewart hizo esta película como un favor a su antiguo compañero de habitación, Burgess Meredith, aunque también debió influir el hecho de compartir reparto con su gran amigo Henry Fonda.

Fonda y Stewart interpretaban aquí a dos singulares músicos de jazz. Aunque el resultado final de la película no fue el esperado, ya se adivinaba en ella la buena química que había entre los dos actores.

“Yo lo pasaba fatal aprendiéndome mi texto. Fatal, de verdad. Fonda, en cambio, podía leer una escena tal vez de cinco páginas y volver a leerla y ya se la sabía perfectamente. Conocía su oficio, sabía mucho sobre interpretación. No sólo cuando estaba en escena pronunciando largos discursos, sino que también sabía reaccionar cuando ocurrían cosas en una escena. Eso formaba pare del genio de este hombre”

(James Stewart)

En 1962 ambos formaron parte del extenso reparto de “La conquista del Oeste” si bien no compartieron en esta ocasión plano alguno por actuar en distintas historias de esta gran producción.

En 1968 se volvían a reunir en la gran pantalla en “Los malvados de Firecreek”. Aquí Hank daba vida a un veterano pistolero cuya banda amenaza un pequeño y aterrorizado pueblo donde el sheriff, Stewart, a pesar de ser poco más que un granjero, desafía valientemente a los despiadados intrusos.

Cuando le preguntaban a Fonda por esta película, movía la cabeza refiriéndose sarcásticamente a la “brillante idea” de convertirle a él en un villano enfrentado a su viejo amigo.

“Cualquier hombre que trate de matar a Jimmy Stewart tiene que ser calificado como un hombre que está simplemente podrido. No se puede ser peor que eso”

Y en 1970, Hank y Jimmy coincidían, una vez más, en “El club social de Cheyenne”. James Lee Barrett, amigo personal de James Stewart que había escrito, además, varios de sus filmes, pensó en este proyecto como un buen vehículo para los dos actores y se lo mostró a Gene Kelly quien, con sólo leerlo, aceptó dirigirla con una única condición: que Henry Fonda acompañara en el reparto a Stewart.

Jimmy estaba entusiasmado desde un principio con esta idea, no tanto así Fonda, quien trató de conseguir que Jack Elam le sustituyera en su papel.

“Hank hizo todo lo que pudo para conseguirme el papel. Cuando fue obvio para Jimmy que Hank no quería hacerlo, también empezó a abogar por mí. Incluso organizaron una proyección de una de mis películas para Barrett y Gene Kelly, que estaba produciendo y dirigiendo. Pero Barrett y Kelly no querían oir hablar de Stewart y Elam de ningún modo. Querían a Stewart y Fonda”

Hank finalmente accedió a acompañar a Jimmy en este título, consiguiendo ambos actores una interpretación asombrosamente natural y dándole a la película un genuino y entrañable carisma.

Durante la producción de esta película, Stewart recibió la tremenda noticia de que su hijo Ronald había muerto en Vietnam. Según los presentes en el set de rodaje, Stewart no habría podido terminar la película sin la presencia de su amigo Fonda.

“Yo sabía que estaba sufriendo. Y cuando eso sucedía, filmaba sin él o cancelaba el trabajo del día y nos íbamos todos a pescar”

(Gene Kelly)

Hank tenía otro método. Sentarse cerca de su amigo y ponerse a contar viejas historias sobre sus tiempos juntos en el Upper West Side de Nueva York o en Brentwood. Stewart en ocasiones respondía a Fonda con recuerdos propios, otras simplemente le escuchaba en silencio.

“Él y yo habíamos evitado hablar de la guerra incluso antes de la tragedia. Ahora, hacía todo lo que podía por apartar su mente de ello”

Fue también entonces cuando Fonda le regaló a Stewart un retrato pintado por él de “Pie”, el caballo favorito de Jimmy que le había acompañado en sus películas hasta ese momento.

“Simplemente se descompuso cuando vio la pintura. Luego le puso una luz encima como si fuera un altar”

(Henry Fonda)

Fonda, Stewart y Alfred Hitchcock

A lo largo de sus respectivas carreras, Hank y Jimmy fueron considerados en distintas ocasiones para interpretar un mismo papel.

En 1948, Joshua Logan, amigo común de Fonda y Stewart, contactó con este último con la idea de hacer una gira por distintas ciudades con “Mr. Roberts”, el posterior gran éxito teatral de Henry Fonda en Broadway. Stewart tuvo que declinar tal ofrecimiento por la imposibilidad de cancelar una serie de proyectos cinematográficos.

Ese mismo año, el productor David O’Selznick pidió una reescritura de la historia de Graham Greene “El tercer hombre”, cambiando la nacionalidad del protagonista de inglés a estadounidense para acomodar en el papel a Stewart o a Fonda. Finalmente el papel fue para Joseph Cotten.

El dramaturgo Edward Albee había escrito “¿Quién teme a Virginia Woolf?” como una obra para Henry Fonda en el papel del marido. Hank se enteró de esto tarde porque su agente lo había rechazado sin comentárselo a él a favor de la película “Fiebre en la sangre”. Aún así, Fonda mantenía el interés por hacer la versión cinematográfica de “¿Quién teme a Virginia Woolf?”.

Por su parte, James Stewart y su esposa Gloria vieron el montaje de la obra en Nueva York y ella le animó a intentar llevarla a la pantalla. Sin embargo, Jimmy sabía que Fonda la había querido interpretar desde un principio, con lo que la siguiente vez que Gloria le habló de ello, Stewart dijo: “Eso es para Hank”. Finalmente, el papel cinematográfico fue para Richard Burton.

Y a principios de los años 80, Henry y James volvieron a coincidir en su interés por interpretar un mismo personaje. De nuevo fue Joshua Logan quien le dio a conocer a Stewart al protagonista de “En el estanque dorado” como su posible gran papel en la gran pantalla. Henry ya se había planteado la posibilidad de interpretar a Norman Thayer Jr. tras ver en Washington la correspondiente obra teatral.

Jane Fonda, ya entonces productora y curiosamente ahijada de Joshua Logan, sabiendo el interés de su padre por dar vida a este entrañable personaje, se adelantó comprando los derechos de esta obra. Al enterarse de esto, Stewart le dijo a Logan: “Esto te enseñará lo que puede ocurrir cuando no sólo tienes una ahijada brillante, sino una ahijada brillante que también es productora”.

Incluso hubo una ceremonia de los Oscar donde los dos amigos fueron nominados en la misma categoría. El 27 de Febrero de 1941, en el Biltmore Hotel de Los Ángeles, Henry Fonda era uno de los cinco candidatos a mejor actor por su excepcional interpretación de Tom Joad en “Las uvas de la ira”. James Stewart, por su parte, optaba a este mismo premio por su impecable papel en “Historias de Filadelfia”.

El Oscar fue a parar a manos de Stewart que, no obstante, siempre sostuvo públicamente que esa estatuilla llevaba ese año el nombre legítimo de Henry Fonda.

“Nuestros diferentes punto de vista nunca interfirieron en nuestros sentimientos hacia el otro, sencillamente no hablábamos de determinados temas”

(James Stewart)

Fonda y Stewart mantuvieron una firme amistad, que se expandió durante medio siglo, más allá de sus diferencias individuales. La mayor pasión de Henry Fonda por el teatro le hizo no estar tan íntimamente ligado al cine como lo estuvo James Stewart. De hecho, Jimmy pensaba que Hank no prestaba la suficiente atención a hacerse un nombre tan grande como su talento, que parecía más interesado en hacer pequeñas obras que no le daban la relevancia que merecía.

Por su parte, Fonda pensaba que el status de Stewart en Hollywood, especialmente con sus éxitos en los años cincuenta, le había hecho menos exigente en lo relativo a material, directores e incluso interpretaciones.

“Siempre pensé que se tomaban su profesión de modos completamente diferentes. Fonda vivía para ser un actor. Nunca pensaba en otra cosa. Veinticuatro horas al día con Hank era actuación, lo que acababa de hacer, lo que esperaba hacer. Jimmy nunca daba esa sensación hasta que realmente empezaba a actuar. Entonces el monstruo de actor que es salía a la superficie”

(Harry Morgan, excelente actor que trabajó en múltiples ocasiones con Stewart y que debía su gran oportunidad en Hollywood a la insistencia de Fonda de que co protagonizara con él “Incidente en Ox Bow”)

En 1981, Henry Fonda se encontraba ya muy débil del corazón. Sin embargo, su mente seguía estando clara. Confinado en su casa, disfrutaba de la compañía de sus amigos visitantes e incluso hablaba de futuros proyectos.

Su amigo de toda la vida, Jimmy Stewart, le visitaba tres veces a la semana. Los dos hombres se intercambiaban impresiones sobre los viejos tiempos. Luego caían en silencios que ambos encontraban muy agradables y se pasaban el rato sentados, monumentos de la historia del cine americano, felices de estar juntos.

Como refirió Fonda a otro de sus asiduos visitantes, parecía como si hubiese sido ayer cuando él y Stewart eran unos actores desconocidos que se morían de hambre en Nueva York haciendo aviones en miniatura.

El 12 de Agosto de 1982 el corazón de Henry Fonda dejaba de latir. A un tiempo, se convertía en una de las más grandes leyendas de la historia del cine.

Ese triste día, James Stewart sólo acertó a decir públicamente que había perdido a su mejor amigo. Pero unos meses después, durante el rodaje de “Decisión final” (Right of way), cada vez que Jimmy lograba completar una toma especialmente agotadora se le podía oir murmurar: “Esto va por ti, Hank”.

"Henry Fonda vivirá siempre en sus películas y los hijos de nuestros hijos conocerán la magnitud artística de un actor y de uno de mis mejores amigos"

(James Stewart)

LA OTRA GRAN PASIÓN DE HENRY FONDA

2011-06-05T14:27:00.006+02:00

“Cuando tenía cuatro años y medio, mi padre era una estrella de cine importante. Pero América había entrado en la Segunda Guerra Mundial y papá decidió que tenía que alistarse en la Marina. Peter y yo no comprendíamos por qué estaba fuera tanto tiempo, pero él nos enviaba unas cartas maravillosas. Inventó una historia sobre un pez llamado Wilbur e ilustraba cada capítulo. Estos dibujos sencillos ya indicaban el notable talento que mostraría luego como pintor. Luchó por la perfección de este arte igual que lo hizo como actor”

(Jane Fonda)

El arte pictórico estuvo presente en la vida de Henry Fonda ya desde su infancia. Nieto de un excentrico pintor, heredó de él su talento para el dibujo y la pintura, al punto de convertirse con el tiempo en mucho más que una afición.

En el verano de 1933, Henry se unió a la Westchester Players en Mount Kisco, Nueva York, como diseñador de decorados. Diseñó, construyó y pintó los decorados para doce producciones diferentes. También disfrutó a un tiempo de pequeños trabajos como actor, llegando a aparecer en dos obras en las que se dijo de él que había robado la función. Al verano siguiente, fue invitado a regresar como actor.

Se había convertido en un gran admirador del pintor realista estadounidense Andrew Wyeth, del que había empezado a imitar su estilo y al que llegó a conocer en persona. Tras citarse con él en la casa del pintor, Henry colocó uno de sus cuadros en el coche. Al salir Wyeth a recibirle, vio el cuadro y dijo: “Harnett”. El cuadro de Fonda le había recordado los trabajos del pintor de bodegones William Michael Harnett.

En la época en la que ya correteaban a su alrededor sus hijos Jane y Peter, Hank descubrió lo que sería su hobby definitivo: pintar. Tarea a la que dedicaba las horas libres que le quedaban entre función y función teatral.

Henry practicó la pintura durante casi toda su vida, llegando a convertirse en un gran profesional de la misma hasta el punto de llegar a vender algunos de sus cuadros.

Durante veinte años, su gran amigo James Stewart montó un caballo llamado Pike, pero cuando ambos rodaron juntos “El club social de Cheyenne”, Pike era ya demasiado viejo para trabajar en exteriores, así que se quedaba en el establo mientras James utilizaba otro caballo en su lugar. Fonda, naturalmente, sabía cuánto significaba Pike para Stewart.

“Una semana después de que volviéramos del rodaje de la película, Hank vino con una acuarela enmarcada, con un marco precioso, que había hecho de Pike. Siempre que la veo, me acuerdo de Hank. Y la acuarela retrata perfectamente a Pike”

(JAMES STEWART)

HENRY JAYNES FONDA

2011-03-22T23:36:00.006+01:00

“Los padres son hombres con una altura de dos metros y medio y que caminan a paso de gigante. Sé que mi padre era el mejor que nunca ha habido echando a volar cometas”

Henry Fonda recordaba a su madre como una mujer “angelical” y muy afable. Su padre, por el contrario, era riguroso, reservado y poco dado a manifestar sus emociones con facilidad.

Henry Jaynes Fonda nació el 16 de Mayo de 1905 en Grand Island (Nebraska). Mismo año en que los cines de cinco centavos hacían su irrupción en los barrios comerciales de todas las ciudades norteamericanas. Con tan sólo seis meses, se trasladó con su familia a Omaha, instalándose finalmente en una enorme mansión de uno de los mejores barrios de la ciudad. Henry tenía dos hermanas menores, Harriet y Jayne.

William Brace Fonda, el padre de Henry, le dijo en una ocasión que había heredado la mirada de sus antepasados italianos, quienes habían emigrado a los Países Bajos tras haber luchado en el bando perdedor en una guerra religiosa local durante la época del Renacimiento.

Jellis Fonda, ancestro de la familia, llegó a Nueva Ámsterdan en 1642. Y uno de sus biznietos, Douw Fonda, emigró a las regiones inexploradas de lo que hoy es el norte del estado de Nueva York, en busca de tierras abiertas, y se estableció en un lugar del río Mohawk. Y a la pequeña ciudad que creció alrededor de su casa le dio el nombre de la familia.

Más adelante, la ciudad de Fonda fue saqueada por los indios, que se pusieron del lado de los británicos y, a principios de 1800, los miembros de la familia Fonda abandonaron su ciudad para probar fortuna más allá del Mississippi.

Uno de ellos se estableció en Nebraska. Y de aquí surgió el padre de Henry, un impresor con ganas de trabajar que se estableció por su cuenta al poco de casarse con una resuelta mujer llamada Herberta Jaynes, la madre de Henry.

El pequeño Henry y su pandilla construían cabañas con los maderos que conseguían en las fincas en obras de los alrededores. Y todos los Domingos por la tarde, el padre de Henry aparcaba su automóvil delante de la casa, sacaba el motor y lo limpiaba en el “laboratorio del sótano” mantenido según la tradición de Henry Ford y otros inventores aficionados del Medio Oeste. Con el coche se iban a patinar en invierno y de excursión en verano, quedando a menudo estacionado a la derecha de la parcela vacía en la que pastaba la única vaca de la familia Fonda.

A los diez años, Henry ganó un concurso de relatos cortos. Su historia, “The mouse” estaba narrada desde el punto de vista del personaje principal y fue publicada en el periódico local. Para entonces, Henry había revelado también su talento para el dibujo y la pintura. Esa vena artística le llegaba por línea materna, ya que su abuelo era un excéntrico pintor. La pintura se convertiría finalmente en él en mucho más que una afición.

En los veranos, por dos dólares a la semana, comenzó a trabajar a los doce años en la imprenta de su padre. Y este dinero ganado lo gastaba después en admirar a Charles Chaplin, William S. Hart y otros héroes de las películas de un solo rollo que proyectaban los cines locales.

En la infancia de Henry Fonda destacaron dos acontecimientos que marcaron profundamente su carácter. El primero tuvo lugar cuando él contaba tan sólo cinco años de edad. En mitad de una noche, su madre le despertó llevándole al porche y señalándole un brillo en la oscuridad nocturna. Era el cometa Halley. “Sólo viene una vez en la vida de una persona”, le comentó su madre, haciéndole ver esta inolvidable experiencia como un espectáculo ofrecido para él en exclusiva.

El otro acontecimiento fue a sus catorce años. En la ciudad, un hombre negro había sido arrestado acusado de violar a una mujer blanca. Tras la cena, su padre le pidió que le acompañara y a través de la ventana de la imprenta le hizo ver cómo una muchedumbre aparecía con el hombre negro, atándole a una farola y colgándole sin más miramiento. Después, le dispararon varias veces y, atando su cuerpo a un coche, lo arrastraron por toda la ciudad.

Estos dos hecho, tan dispares entre sí, expresaban el lado tierno de su madre y el tremendamente duro de su padre. Aspectos que siempre estuvieron en conflicto en el interior de Henry. Una continua lucha que John Steinbeck, amigo personal del actor, expresaba así: “Henry es un hombre tierno, que te llega al corazón, pero inalcanzable, capaz de una violencia peligrosa repentina y salvaje. Su cara es un cuadro de sentimientos opuestos en conflicto”.

“Me parezco a mi padre. Cuando paso ante un espejo y veo mi reflejo en él, mi primera impresión es “Ése es mi padre”. Hay una fuerte imagen Fonda”

Cuando Henry acabó de crecer, hasta una altura de un poco más de un metro ochenta, ya era un buen atleta y un buen boy scout. Tras su graduación en la Omaha Central High School en 1923, se matriculó en la Universidad de Minnesota con el fin de estudiar Periodismo y alejarse por un tiempo de su Omaha natal.

Se pagaba la estancia a base de trabajar a tiempo parcial en el servicio de reparaciones de la compañía telefónica Northwestern Bell en Minneapolis. Tras esto, se convirtió en director de deportes y actividades para la Unity Settlement House, trabajando gran cantidad de horas que le dejaban poco tiempo para asistir a la universidad. También escribía historias cortas y obras de teatro.

No conforme con lo que estaba haciendo con su vida, abandonó los estudios en Minnesota y regresó a Omaha, desempeñando aquí diversos oficios e intentando trabajar en algún periódico.

Y esta vez, precisamente en Omaha, le llegó por fin la oportunidad que le cambiaría rotundamente la vida…

NORMAN THAYER, JR.

2011-01-10T19:35:00.009+01:00

“En 1981 mi padre y yo rodamos nuestra única película juntos, “En el estanque dorado”… Y fue muy especial para ambos. Interpretamos a un padre y a una hija que habían tenido problemas durante años y que por fin encuentran una forma de romper las barreras. Papá y yo no éramos los personajes que interpretábamos, pero había semejanzas y la película nos unió realmente más” (Jane Fonda)

El 4 de Diciembre de 1981, hará ya 30 años a finales del 2011, se estrenaba en Estados Unidos “En el estanque dorado”, un maravilloso canto a la vida protagonizado por un matrimonio ya en su tercera edad.

Producida por Bruce Gilbert para la Universal Pictures, esta película nos presenta una entrañable historia muy bien dirigida por Mark Rydell sobre un guión de Ernest Thompson, basado en su propia obra, y con unas bellas imágenes fotografiadas por Billy Williams.

Y una maravillosa banda sonora, obra maestra del compositor Dave Grusin, que encaja a la perfección con el tema y ritmo de la historia.

El film está, además, dedicado a Robert L. Wolfe, artífice de su montaje, que falleció en ese mismo año sin llegar a ver estrenada la película. Wolfe nos había ya dejado constancia de su buen hacer en títulos como “Monty Walsh”, “Junior Bonner”, “La huida”, “El viento y el león”, “Todos los hombres del Presidente” o “Cazador a sueldo”.

La película se rodó en New Hampshire durante el verano de 1980. Trabajaron cerca de la ciudad de Laconia y la mayor parte del metraje se rodó en el Lago Squam.

El 21 de Febrero de 1979 se estrenaba en Broadway, en el New Apollo Theater, la obra de Ernest Thompson “On golden pond”, llegando con éxito a las 126 representaciones.

Henry Fonda se encontraba en Washington cuando se escenificó la obra en el Kennedy Center. Alguien le comentó que podía ser un buen vehículo para él y, aunque Hank no pudo llegar a verla, pidió que le enviasen una copia del guión, que le encantó. Al mismo tiempo, Henry supo que Katharine Hepburn opinaba lo mismo del texto.

Paralelamente, su gran amigo James Stewart tenía también esperanzas de interpretarla. El director Joshua Logan, amigo común de ambos actores, le había dado a conocer la obra.

Pero Jane Fonda, curiosamente ahijada de Logan, se le adelantó comprando los derechos de la obra porque sabía que su padre estaba muy interesado en ella. Y no sólo la produjo junto a Bruce Gilbert, sino que además se ofreció para interpretar el papel de la hija de la historia. Cuando, finalmente, Stewart se enteró de esto por Logan le dijo: “Esto te enseñará lo que puede ocurrir cuando no sólo tienes una ahijada brillante, sino una ahijada brillante que también es productora”.

"Siempre he visto “En el estanque dorado” como un regalo a mi padre. Mi padre no es exactamente Norman Thayer, pero hay mucho de él en ese papel… Y como Chelsea, yo tuve que superar la desesperada necesidad que una vez tuve de su aprobación y vencer el miedo que le tenía…

La película nos dio a todos nosotros la oportunidad de decir en voz alta algo que sólo podías admitirte a ti mismo por la noche. No puedo expresar lo afortunada que me siento porque al final la hiciésemos”

(Jane Fonda)

Jane intentaba darle a la película un tono autobiográfico y Henry trataba de mantener la distancia artística y profesional. En la escena en la que padre e hija llegan a un acuerdo para intentar llevarse mejor, Jane alargó su brazo para tocar el de su padre, gesto que no estaba en el guión y que pilló a Henry por sorpresa.

Y en la maravillosa escena en la que se funden en un abrazo, un miembro del equipo recordaba: “Ella estaba llorando y él tambien. El resto de nosotros estábamos a punto de hacerlo”.

“Yo veía todas las escenas de ella con él porque ella me lo pedía. Supongo que no se conocían de verdad. Y creo que después de esta película Jane sintió que le conocía”

(Katharine Hepburn)

Katharine Hepburn y Henry Fonda no habían trabajado juntos antes. De hecho, apenas se conocían. Katharine da vida maravillosamente en este film a la mujer de Henry, Ethel Thayer, papel que a punto estuvo la actriz de no poder interpretar por una urgente operación de hombro, ocasionada por un partido de tenis, a la que tuvo que someterse semanas antes del rodaje.

"Papá había admirado siempre a Kate pero nunca habían trabajado juntos antes. También me dio a mí la oportunidad de trabajar con ella. Ella sabia lo nerviosa que estaba yo teniendo que decirle palabras a mi padre que nunca le había dicho en la vida real”

(Jane Fonda)

Barbara Stanwyck era la elegida en el caso en que hubiera que reemplazar a Hepburn, pero Fonda, añadiendo que no la haría con nadie más, insistió a Kate hasta que ella aceptó.

Según recordaba el propio Hank, el primer día que se encontraron él se hallaba solo en el plató cuando “Kate entró, sonrió, me miró directamente y exclamó: “Ya era hora”.

“Me conmovió profundamente. Lo que expresaba cuando interpretaba una escena con él era totalmente auténtico. Sabía perfectamente lo que estaba haciendo. Estoy segura de que reflexionó mucho sobre el personaje y sobre la relación, muchísimo. Igual que hice yo, naturalmente”

(Katharine Hepburn)

El reparto se completaba a la perfección con Dabney Coleman como Billy Ray, el marido del personaje de Jane Fonda, y con Doug McKeon como su hijo Billy, un rebelde muchacho de trece años al que dejan durante un mes con el matrimonio Thayer.

“En el estanque dorado” fue el último título de Henry Fonda para la gran pantalla y su primer papel protagonista en una buena película desde hacía años.

Coincidiendo con su estreno, Jane organizó una proyección especial para su padre, que se encontraba ya bastante débil del corazón. Tras la proyección del film, a la que acudió también su director, Mark Rydell, Hank le dijo a éste: “Gracias por la película más importante de mi vida”.

Afortunadamente, Henry llegó a ver con sus propios ojos cómo se convertía la película en un gran éxito de taquilla y, sobre todo, cómo era nominado a mejor actor.

Y cómo obtenía, al fin, el Oscar al mejor actor principal. En la ceremonia de los Premios de la Academia, fue Jane quien recogió el galardón en nombre de su padre, debido a su ya grave estado de salud.

“Mi padre no creía que esto fuera a pasar de verdad, aunque no hace mucho me ha dicho que si llegaba a ocurrir, quería que su esposa Shirlee recogiera el galardón en su nombre, pero Shirlee ha querido estar con él esta noche, de modo que he venido yo…”

(Jane Fonda)

Jane también expresó, en nombre de Hank, su gratitud hacia el equipo completo de rodaje de esta entrañable película.

“En el estanque dorado” recibió, entre otros premios, 3 Oscar de la Academia al mejor actor (Henry Fonda), mejor actriz (Katharine Hepburn) y mejor guión adaptado (Ernest Thompson). También fue nominada a mejor actriz de reparto (Jane Fonda), película, director, fotografia, montaje, banda sonora y sonido.

Obtuvo también 3 Globos de Oro a la mejor pelicula, actor principal y guión adaptado, siendo además nominada al mejor director, actriz principal y actriz secundaria. Y los American Movie Awards la recompensaron con 3 Marquee award al mejor actor, actriz principal y actriz secundaria.

A Henry Fonda también se le otorgó el premio al mejor actor en el Karlovy Vary International Film Festival. Dave Grusin obtuvo una nominación en los Premios Grammy como mejor album de una banda sonora de película. Y el film fue nominado a la mejor película extranjera en los Premios de la Academia Japonesa.

El primer día de rodaje Katharine Hepburn le hizo un regalo a Henry Fonda: un sombrero de fieltro marrón que era el favorito de Spencer Tracy.

Henry, correspondiendo a este bonito gesto, pintó una acuarela con los tres sombreros que él llevaba en el film y se lo regaló a Kate.

Hank hizo después 200 copias de esta pintura y se las envió a todas las personas que habían trabajado en la película. Cada copia estaba numerada y personalmente firmada por Fonda con su agradecimiento personal añadido a cada uno de los miembros del equipo.

“No soy un hombre religioso, pero doy las gracias a Dios cada mañana por haber vivido lo suficiente para interpretar ese papel… ¿Cómo puedo describir la experiencia? Magia, supongo. Magia”

(HENRY FONDA)

¡¡¡FELIZ 2011!!!

2011-01-01T00:05:00.004+01:00

HANK Y MA DARWELL

2010-10-27T12:12:00.014+02:00

En 1940, John Ford unía en la gran pantalla a dos grandes actores americanos. Jane Darwell y Henry Fonda nos ofrecían una magistral interpretación como Ma Joad y su hijo Tom en esa obra maestra del cine llamada “Las uvas de la ira”.

Pero Fonda y Darwell ya habían trabajado juntos dirigidos por Henry King un año antes, en 1939, y también como madre e hijo, en “Tierra de audaces”, la mejor versión cinematográfica entorno a la figura del mítico Jesse James.

Tras formar parte de la inolvidable familia Joad, en ese mismo año de 1940, Henry y Jane (esta vez como Mrs. Huguenine) volvieron a coincidir en “Chad Hanna”, dirigidos de nuevo por Henry King sobre un guión de Nunnally Johnson (artífice también del impecable guión de “Las uvas de la ira”).

En 1943 se rodaba “Incidente en Ox Bow”, un maravilloso alegato contra el linchamiento dirigido por William A. Wellman. No en vano era ésta una de las dos películas por las que Fonda se sentía más orgulloso. La otra, obviamente, “Las uvas de la ira”.

Aunque originalmente el papel de Jennie “Ma” Grier iba a ser para Sara Allgood, la elegida fue Florence Bates. Pero Bates tuvo durante el rodaje un accidente en una escena con un caballo y fue finalmente reemplazada por Jane Darwell.

Y en 1946, John Ford les volvía a juntar en la gran pantalla en otro gran clásico: “Pasión de los fuertes”. Jane daba vida aquí a Kate Nelson, una entrañable señora del pueblo que presta su incondicional ayuda, y su casa, en el momento de la operación a vida o muerte del personaje de Chihuahua.

Actores sin duda predilectos de John Ford, el director quiso contar en 1942 también con ellos, y con Donald Crisp, otro peso pesado del cine clásico americano, como narradores del corto documental “The Battle of Midway”. En su banda sonora se podían oir temas hoy tan clásicos como “Anchors aweigh”, “Over there” o “Yankee Doodle”.

Y “Red River Valley”, maravillosa melodía tradicional americana que dos años antes habíamos escuchado como tema principal de “Las uvas de la ira”. Estrenado el 14 de Septiembre de 1942, “The Battle of Midway” se llevó un año más tarde el Oscar al mejor corto documental.

En 1976, Henry Fonda, junto a un brillante elenco, formó parte importante de “La Batalla de Midway”, seguramente la mejor película bélica llevada a la gran pantalla. La mayor parte de las escenas reales de combate de esta película pertenecían al corto documental realizado en 1942 por John Ford.

Pero Jane Darwell no acompañaba a Hank en esta película de 1976. Hacía ya nueve años que esta maravillosa actriz le estaba guardando un sitio de honor en el cielo estrellado de las leyendas del cine.

Y a él tan sólo le bastó escuchar una voz que le decía: “I’ll be there” para saber que se reuniría de nuevo con ella en 1982.

"He interpretado a la madre de Henry Fonda tan a menudo que siempre que coincidíamos yo le llamaba a él “hijo” y él a mí “Ma” sólo para ahorrar tiempo”

(JANE DARWELL)

HENRY FONDA ROSE

2010-07-21T11:20:00.003+02:00

“Mi padre nació en Nebraska y nunca dejó de pensar que no era más que un vaquero del Medio Oeste. Trabajar la tierra y colonizar el campo fueron temas recurrentes en sus películas”
(Jane Fonda)

"Thank you, Mr. Fonda" cumple hoy su primer aniversario. Y Hank y yo lo vamos a celebrar con flores. En concreto, con esta rosa, la “Henry Fonda Rose”.

Siendo Hank un más que aficionado horticultor, y siendo yo una ferviente admiradora de las rosas, y de Hank, no podía ser de otra manera.

El asignar a distintas flores diversos nombres de actores y actrices se remonta a la época de los grandes estudios de Hollywood y sus grandes estrellas. Audrey Hepburn, Cary Grant, Elizabeth Taylor y Grace Kelly, entre otros, también tenían asignada una rosa.

La Henry Fonda Rose es ligeramente más pequeña que otras rosas de té. De suave fragancia y un profundo amarillo, se pueden contar en ella de 20 a 25 pétalos.

Desde el comienzo de su carrera cinematográfica, Henry Fonda desempeñó el papel de granjero en películas como “A través de la tormenta”, “Las uvas de la ira” o “Slim”.

También le pudimos ver trabajando el campo en títulos como "Corazones indomables", “El camino del pino solitario” o “Contrastes”.

Y en “Fiebre en la sangre”, “El potro alazán” o “La venganza de Frank James”.

Paralelamente a sus películas, Henry se hizo realmente granjero, desbrozando los acres de su propio terreno, vallando una zona de sembrado e iniciando su cultivo. Había descubierto la revista “Horticultura y Jardinería orgánicas”, y seguía sus principios sobre el abono al pie de la letra.

A Jane le encantaba recordar en tono de broma que pasaron años antes de descubrir que su padre era un actor y no un granjero. Y es que él mismo araba la tierra, recogía los huevos de las gallinas, plantaba los árboles frutales y cultivaba las hortalizas en su jardín.

“Mi rosa amarilla favorita. Destinada a ser un clásico”

(Robert Bauer, fotógrafo)

AND THE WINNER IS... HENRY FONDA

2010-05-27T07:21:00.003+02:00

“Cuando recibió el Oscar al mejor actor, dijo algo típico de él:
¿A que tengo suerte?”
(Jane Fonda)

El 29 de Marzo de 1982, Henry Fonda recibía su primer y único Oscar al mejor actor por su impresionante interpretación de Norman Thayer, Jr. en una maravillosa película: “En el estanque dorado”.

“Papá, todos tus nietos y yo vamos a llevártelo enseguida”

A sus 76 años de edad, Hank presenciaba la ceremonia desde su propia casa, ya que se encontraba demasiado débil como para acudir a ella personalmente.

Se reconocía así, finalmente, la enorme profesionalidad de uno de los mejores actores de toda la historia del cine.

Reconocimiento que no sólo tuvo eco en los Premios de la Academia. Henry también recibía por esta magnífica interpretación un Globo de Oro y un Marquee Award (American Movie), y era premiado en el europeo Karlovy Film Festival y en el National Board of Review (Asociación Nacional de Críticos de Cine de Estados Unidos).

La relación de Henry Fonda con la codiciada estatuilla comenzó en 1940, cuando fue nominado al mejor actor por su extraordinaria interpretación de Tom Joad en “Las uvas de la ira”.

Pero ese año el Oscar fue para su amigo James Stewart (“Historias de Filadelfia”). Stewart, curiosamente, había votado a Hank como mejor actor.

En 1958, Henry volvía a optar al Premio de la Academia por “Doce hombres sin piedad”, esta vez como coproductor de esta interesante película. Labor que se quedó tan sólo en la nominación, a la que se le unió otra como actor en los Globos de Oro.

Sí era, en cambio, galardonado con un británico Premio Bafta y con el Diploma de Mérito en los finlandeses Jussi Award por encarnar al miembro del jurado más íntegro de la gran pantalla.

Su buen hacer interpretativo fue también reconocido en los Laurel Awards, galardones creados por el Motion Picture Exhibitor magazine. Fue en dos ocasiones nominado al mejor actor dramático por “Fiebre en la sangre” y “Punto límite”.

Y en 1968, en estos mismos premios, compartió honrosamente la nominación al mejor actor de comedia, por “Tuyos, míos, nuestros”, con actores como Jack Lemmon (“La extraña pareja”), Robert Redford (“Descalzos por el parque”), Dustin Hoffman (“El graduado”) y el que finalmente fue el ganador, Walter Matthau (“La extraña pareja”).

Los televisivos Premios Emmy también repararon en Hank, nominándole en tres ocasiones por “El potro alazán”, “Clarence Darrow” y “La trompeta de Gedeón”.

A Henry Fonda le fue asimismo reconocida su larga y fructífera carrera cinematográfica con prestigiosos galardones. Premio Especial David de Donatello de la Academia de Cine Italiano (1973), Premio Honorífico en los AFI (American Film Institute) (1978), Cecil B. De Mille Award en los Globos de Oro (1980) y Golden Apple a la estrella masculina del año (1981).

Premios todos ellos que serían redondeados con el Oscar Honorífico que recibió en 1981, de manos de un encantado y orgulloso Robert Redford, en “reconocimiento a su enorme contribución al arte cinematográfico”.

Momento mágico de la ceremonia de los Oscar donde Redford resaltó la, ante todo, impecable profesionalidad de Hank. Y donde Henry, tras salir acompañado, por supuesto, por la banda sonora de “Las uvas de la ira”, y recibido con una emocionante ovación del público de la sala, agradeció la enorme suerte que tuvo en su vida profesional.

Enorme suerte la nuestra de compartir su trabajo con él, añado yo.

El Oscar Honorífico le era entregado a Henry Fonda justo un año antes de recibir su único Oscar como mejor actor por “En el estanque dorado”.

Sin duda alguna, el galardón más querido por él en su larga trayectoria. Porque se le daba, precisamente, como mejor actor.

“Nunca había ganado el Oscar al mejor actor. Fue muy emocionante para él. Sé lo orgulloso que se sintió”

(JANE FONDA)

TOM JOAD

2010-03-15T14:00:00.003+01:00

"Las uvas de la ira se convirtió en película con tanta facilidad como si fuera un guión escrito en estudio. Que sepamos, es la única historia seria que ha quedado tan bien en pantalla como en papel”
(Edmund Wilson, escritor y crítico literario)

Estrenada en Estados Unidos, hace hoy 70 años, el 15 de Marzo de 1940 (con dos exitosos preestrenos en Nueva York y Los Ángeles), “Las uvas de la ira” nos presentaba la historia de la familia Joad.

Producida por Darryl F. Zanuck y magníficamente dirigida por John Ford, esta película cuenta con un exquisito guión de Nunnally Johnson basado en la novela homónima de John Steinbeck.

“Es una historia de la supervivencia de los más fuertes. Los fuertes sobreviven, los débiles se quedan a mitad de camino, los incompetentes deambulan sin rumbo”
(Nunnally Johnson)

Obra fordiana por excelencia, más densa, más concisa y más poética que su equivalente literario, retrata con maestría la época más triste de la América de Franklin D. Roosevelt. Las migraciones interiores modificaron las situaciones y los privilegios creados. Los recién llegados eran tratados con hostilidad y considerados como enemigos. Pero también como mano de obra explotable por quienes poseían la propiedad.

“Los granjeros de Oklahoma estaban desprovistos de emoción. Habían sufrido tanto que ya no demostraban emoción alguna. Eran sólo caras vacías”

(Henry Fonda)

Cuando John Steinbeck dio su conformidad para la película, el nombre de John Ford ya encabezaba el proyecto, aunque su elección no estuvo clara desde el principio. Steinbeck sí había mencionado a Ford como el director ideal, pero Zanuck había pensado en Clarence Brown, uno de los talentos de Hollywood más dotados para la lírica.

Zanuck se decidió, finalmente, por Ford. Éste se encontraba rodando los exteriores de “Corazones indomables”, película protagonizada precisamente por Henry Fonda. John emplazó a Zanuck a la conclusión de este film para tomar una decisión, aunque cada vez le atraía más la idea.

“Había leído la novela – que era buena – y Zanuck tenía un buen guión (…) Me gustaba la idea de esa familia que se marchaba y trataba de encontrar un camino en el mundo. Todo aquello me resultaba atractivo porque trataba de personas normales”

(John Ford)

Ya con John Ford en la dirección, se eligió a Gregg Toland (“Cumbres borrascosas”, “Ciudadano Kane”, “Intermezzo”...) como operador de cámara porque la película necesitaba una fotografía desnuda, naturalista.

En el film, los cielos estaban sin filtrar y los rostros iluminados de un modo duro que encajaba con el desolado fondo. Según el propio Ford, Toland consiguió fotografiar espacios donde no había nada que fotografiar.

Para la banda sonora, el elegido fue Alfred Newman (“Beau Geste”, “Cumbres borrascosas”, “Eva al desnudo”...), que nos trasmite nostálgica pero implacablemente aquellos años de Depresión a través de una partitura interpretada, en su mayor parte, con acordeón, banjo y guitarra. Especialmente significativa es la tradicional y triste melodía “Red River Valley".

El estudio también contrató a Tom Collins, el Tom a quien Steinbeck había dedicado su libro y el que había animado a John a escribir la novela, llevándole a los campamentos de emigrantes donde el autor vivió durante un tiempo. Collins, que durante siete años había dirigido los campamentos estatales para trabajadores emigrantes, instruyó a los actores en el idioma apropiado, revisó los decorados y el vestuario y sirvió en general como asesor.

En la notas de Zanuck en cuanto al casting figuraban Henry Fonda como Tom, Walter Brennan como Pa, Beulah Bondi como Ma y James Stewart como Al. De estas notas sólo se mantuvo Fonda en el reparto final.

Pero a Fonda le costó mucho trabajo conseguir el papel. Sus relaciones con Zanuck no eran muy armoniosas. Cuando el magnate fue informado de que Henry quería encarnar a Tom a toda costa, anunció que el protagonista sería Tyrone Power, o en su defecto, Don Ameche, ambos a sueldo en el estudio.

“Zanuck había tratado de contratarme incluso antes de “Tierra de audaces”, y yo me resistía. Era feliz actuando por libre. Estaba trabajando mucho en la Fox, pero era mi elección… Yo quería el papel. Era otro film con Ford y Ford me quería. Tuve una larga reunión con Zanuck. Firmé el contrato, y lo lamenté desde el día que terminamos “Las uvas de la ira”. Hice algunas buenas películas durante mi contrato con la Fox, pero fueron casi todas en préstamo”

(Henry Fonda)

Henry, por aquel entonces era feliz con su independencia como actor para poder elegir él mismo sus películas. Zanuck, necesitado de estrellas masculinas para su nómina, le propuso a Fonda un contrato de larga duración a cambio del ansiado papel. Tras rechazarlo en un principio, Fonda cedió, consciente de que sería el papel de su vida, firmando un contrato con la Fox de siete años, pero también pasando a la inmortalidad cinematográfica con su maravillosa interpretación de Tom Joad.

En el rodaje, Ford se ocupaba de todo salvo de su estrella. Fonda, orgulloso y tozudo, sintió a Tom Joad sin recibir ninguna indicación del director. Para su composición, mezcló la sinceridad propia del Medio Oeste, de la que ya había hecho gala al interpretar a Lincoln, con la fría paranoia de un ex convicto. De la sobriedad de su actuación dependía que la película no decayera en algunos pasajes en el sentimentalismo.

“Por esa actuación, mi padre recibió la nominación al Oscar como mejor actor. Le ganó su amigo Jimmy Stewart, pero fue ese papel el que condujo a Henry Fonda a la categoría de leyenda”
(Jane Fonda)

La actuación de Henry Fonda sólo cabe calificarla de genial, y sin su emotiva mirada nada de lo que ocurre acabaría por entenderse. El actor aporta, además, una imagen ideal que sugiere el físico de una cierta América rural, entre ingenua e incontaminada.

A su lado, una irrepochable galería de característicos como John Carradine, Charley Grapewin, Russell Simpson, John Qualen, Ward Bond…

Y Jane Darwell, quien, en el papel de Ma Joad, compone uno de los personajes fordianos más inolvidables. La impresionante heroína expulsada de sus tierras y obligada a trabajar en condiciones miserables recibe un patético acento de veracidad en la interpretación de esta actriz de físico robusto y aspecto de matrona. Su trabajo es antológico, merecedor del Oscar recibido y de todos los premios del mundo. Pero los ojos luminosos y comunicativos de Hank también merecían premio.

Para la crucial escena final entre madre e hijo, Ford delegó en Fonda y Jane Darwell, negándose incluso a verles ensayar.

“En la famosa escena de la despedida, mi padre me contó que él y Jane Darwell se dieron cuenta de que no podían dejarse llevar por la emoción. Así que tuvieron que interpretar la escena como si estuvieran sujetando un caballo que intentaba escaparse”

(Jane Fonda)

“No lo habíamos hecho en voz alta, pero Ford gritó “¡Acción!”, las cámaras empezaron a filmar y lo hicimos en una sola toma. Cuando acabamos la secuencia, Ford no dijo nada. Se levantó y se fue. Tenía lo que quería. Los demás, también”

(Henry Fonda)

“Las uvas de la ira” obtuvo 2 Premios Oscar al mejor director y mejor actriz secundaria (Jane Darwell). También estuvo nominada al mejor actor (Henry Fonda), mejor montaje, mejor película, mejor sonido y mejor guión.

“Zanuck ha mantenido su palabra. Tiene una película dura, en la cual sus actores se han sumergido tan completamente en sus personajes que parece una película documental, y ciertamente tiene un timbre duro, veraz. De hecho, con la eliminación de las descripciones es, de lejos, más dura que el libro. Parece increíble, pero es cierto”
(John Steinbeck)

Efectivamente, Ford supo recrear aquella turbia atmósfera y aquellos difíciles años a través de una puesta en imágenes que potenciaba el realismo y la humanidad de los personajes.

“Es una gran película de las llanuras de polvo, las autopistas, los campamentos, el cielo que está sobre ellos, y de una gente sin nombre, desahuciada”
(John Mosher, “New Yorker”)

“Las uvas de la ira” constituye uno de los más grandes melodramas sociales de la historia del cine. Sin concesiones al sentimentalismo, pero emocionando con la crudeza de sus imágenes, John Ford nos mostró las terribles luchas de las gentes del medio Oeste norteamericano por defender sus posibilidades de trabajo y su supervivencia en momentos de absoluta penuria. Sus personajes no son héroes ni seres excepcionales. Pueden ser engañados y convertirse, incluso, en esquiroles. Pero mantienen el lazo familiar y, por encima de todo, su dignidad.

“El único verdadero cambio que hice – y tuve que hacerlo – fue en el final. Tenía que haber un rayo de esperanza, algo que evitase que la gente que viese la película se marchase tan abatida que no pudiese decir a otra gente que era un buen filme. Steinbeck estuvo de acuerdo en la necesidad de un final más esperanzador”

(Nunnally Johnson)

Hank conservó toda su vida la gorra que llevaba en “Las uvas de la ira”. Poco antes de su muerte, se la regaló a su vieja amiga Jane Whiters. Juntos habían hecho en 1934 "The farmer takes a wife", una obra de teatro anterior a la carrera cinematográfica de Henry. Ella tenía entonces 8 años y Henry 34. Fonda se mostraba nervioso antes de salir a escena. Ella tocó su sombrero y dijo una oración para calmar sus nervios.

Al año siguiente, trabajaron de nuevo juntos en “Contrastes”, la versión de esta obra para la gran pantalla. Y se convirtieron en buenos amigos para toda la vida.

Sin ninguna duda, Henry Fonda era la elección perfecta para el papel de Tom Joad: la esencia de la decencia rural, con la intensa mirada de un hombre pensativo y a punto de explotar.

La película ayudó a forjar la imagen de Hank como una figura quintaesencialmente americana: el hombre común, que parecía simbolizar la decencia e integridad con la cual los americanos se veían idealmente a sí mismos. La imagen se ajustaba al actor tanto dentro como fuera de la pantalla. Henry no era un ser sofisticado. Prefería pasar su tiempo libre arando sus tierras y plantando cosechas.

“Yo estaré en todas partes, en todas partes donde quiera que mires. Donde haya una posibilidad de que los hambrientos coman, allí estaré.

Donde haya un hombre que sufre, allí estaré.

Estaré en los gritos de los hombres a los que vuelven locos, y estaré en la risa de los niños cuando sientan hambre y la cena esté ya preparada. Y cuando los hombres coman de la tierra que trabajan y vivan en las casas que levantan, allí también estaré”

(TOM JOAD)

HENRY FONDA PRESENTA

2010-01-29T21:28:00.003+01:00

“Por ese oscuro misterio de las cámaras, a Hank le bastaba su presencia para hacerse dueño de la pantalla, de la situación, y reinar entre los actores y entre el público con una naturalidad desconcertante y con un estilo que parecía inexistente por su elegancia y su sencillez”
(Juan Tejero, escritor cinematográfico)

La indiscutible elegancia de Henry Fonda, y su total aceptación entre el público cinematográfico, llevó a distintas marcas publicitarias a reclamarle como modelo para sus anuncios.

En 1938, este excepcional anuncio de Nunn-Bush shoes (zapatos) cuenta con la aprobación de Henry Fonda.

El actor nos dice: “He encontrado elegantes zapatos americanos que realmente me ahorran dinero”.

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La compañía inglesa Carreras Ltd emitió a finales de los años 40 un total de 50 tarjetas con estrellas famosas del cine en películas representativas. Dichas tarjetas iban incluídas en las cajas de Turf cigarettes (cigarrillos).

La tarjeta de Henry Fonda se emitió en 1949, hacía la número 41 y referencia a la película “Fort Apache”.

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En este anuncio de 1950 de Arrow shirts (camisas) vemos a Hank con la hermana mayor de Marlon Brando, Jocelyn, en una doble página desplegable del Saturday Evening Post.

Arrow es el reflejo de la moda americana a lo largo de tres siglos. Desde un taller en Troy, New York, en 1851, a una corporación internacional con distribución en más de 90 países. Demasiado patrimonio para ser olvidado.

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1952. ¿Por qué cambiaste a Camels, Henry Fonda? “Mi voz es importante en mi profesión. Fumo Camels porque resultan suaves y dejan un intenso sabor”.

Ninguna molestia en la garganta se debe a fumar Camels. Camel supera a las demás marcas – ¡por billones!

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En Marzo de 1965, el actor, conocido ya entonces por personajes tan honestos como los de “Las uvas de la ira” o “Doce hombres sin piedad”, nos muestra una sonrisa triunfadora en esta foto de portada de GQ (Gentlemen’s Quaterly), una revista enfocada en la moda, estilo y cultura masculina.

Fonda luce una primaveral chaqueta a cuadros Fenn-Feinstein y lleva bajo el brazo uno de sus guiones.

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En los años 70, Henry Fonda apareció en un anuncio gráfico para View-Master, el conocido dispositivo visualizador de discos de imágenes.

El anuncio decía: “Tenemos a Henry Fonda, los mejores shows para los niños y a Walt Disney trabajando para nosotros”.

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También en la década de los 70, la publicidad gráfica de View Master se extendió a una serie de anuncios en los que aparecía Hank rodeado de niños con los que explicaba las ventajas del producto.

En este anuncio en concreto podemos reconocer a Christopher Knight, Peter en "La tribu de los Brady", y a una jovencísima Jodie Foster.

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Y en 1971, Fonda nos mostraba las ventajas de Sheet Vinyl Floors (suelos de lámina de vinilo). Y lo elegantemente que se puede caminar sobre ellos.

“Yo no soy Henry Fonda. Nadie podría ser tan íntegro”

(HENRY FONDA)

¡FELIZ 2010!

2010-01-01T10:07:00.000+01:00

HANK Y STEINBECK

2009-12-02T20:50:00.003+01:00

“Henry es un hombre tierno, que te llega al corazón, pero inalcanzable. Su cara es un cuadro de sentimientos opuestos en conflicto”
(John Steinbeck)

John Ernst Steinbeck nació el 27 de Febrero de 1902. Escritor estadounidense galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1962, tiene en su haber una serie de novelas que le ubican en primera línea de la corriente naturalista o del realismo social americano.

Su obra más popular es, sin duda, “Las uvas de la ira” (1939), magistral novela por la que Steinbeck obtuvo el Premio Pulizter en 1940. El duro relato de una familia que, procedente de una empobrecida región de Oklahoma, emigra a California durante la depresión económica de los años 30, fue en su momento una controvertida novela y un documento de protesta social (“Es curioso lo lejana que resulta una desgracia cuando no nos atañe personalmente”). Hoy está considerada como todo un clásico de la literatura estadounidense.

La novela de “Las uvas de la ira” surgió de los artículos periodísticos que el propio Steinbeck había escrito sobre las nuevas oleadas de trabajadores que llegaban a California. El mismo escritor, durante su juventud, trabajó como jornalero rural y recolector de fruta.

En esta obra se describe la eterna lucha de las gentes que dependen de la tierra para sobrevivir, convirtiendo la dignidad de los pobres y los oprimidos en su tema central. Sus personajes, atrapados en un mundo injusto, siguen siendo hoy seres humanos heroicos.

Como en el resto de su obra, el estilo de John Steinbeck se sustenta en esta novela en una gran carga de emotividad en los argumentos y en el simbolismo de las situaciones y personajes que crea. Todo ello con un fuerte componente alegórico y espiritual que se alimenta de la piedad e interés del autor por los desfavorecidos de todo tipo.

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Cuando la Twentieth Century Fox anunció su intención de adaptar la novela a la gran pantalla, Henry Fonda, que había leído el libro y se había entusiasmado con todo lo que Steinbeck había escrito, y había leído también el posterior guión de Nunnally Johnson, hizo lo imposible por hacerse con el papel de Tom Joad.

Pero no sólo consiguió Fonda ser el protagonista de esta película. Durante el rodaje de la misma, Henry y John Steinbeck iniciaron una amistad que se fue estrechando con el paso de los años y que perduraría hasta la muerte del escritor.

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En 1973, Henry Fonda protagonizó “El potro alazán”, una película para la televisión que estaba basada en “El pony rojo” (“The red pony”), otro relato de John Steinbeck.

En esta historia se dan cita dos importantes descubrimientos: el contacto y la comunión con la naturaleza y el despertar a las luces y las sombras de la existencia. “El pony rojo” se nos presenta en forma de cuatro episodios de la infancia de Jody Tiflin, un muchacho que vive en una granja de California. Con esta obra, John Steinbeck consiguió una de sus principales cimas dentro de sus obras de menor extensión.

Los tres primeros capítulos de este libro fueron editados entre 1933 y 1936 en una serie de revistas de la época, siendo publicada la novela en su totalidad en 1937.

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Veinticinco años después del estreno de “Las uvas de la ira”, John Steinbeck la volvía a ver y se quedaba otra vez de piedra con la interpretación de Henry Fonda.

“El tiempo pasa y nosotros cambiamos… Pero cargué esa cosa en mi proyector doméstico y me senté a ver cómo había envejecido. Luego un pedazo de electricidad con una cara flaca y oscura apareció caminando en la pantalla y se apoderó de mí. Otra vez volví a creer en la historia que había escrito”

John Steinbeck nos dejaba el 20 Diciembre de 1968. En su funeral, Henry Fonda leía poemas de Petrarca, Tennyson y Robert Louis Stevenson.

"Todos encontrarían su propia vida mucho más interesante si dejaran de compararla con la vida de los demás"

(HENRY FONDA)

BAILANDO CON HENRY

2009-09-29T07:59:00.013+02:00

“Alto, delgado y parsimonioso, Hank caminaba con pasos característicamente largos y se movía con una plácida pero inconfundible autoridad, andares que sólo pueden ser calificados de felinos en su delicada deliberación. Como señaló un crítico no camina, flota. Su excepcional fotogenia hizo el resto”
(Juan Tejero, escritor cinematográfico)

Una de las principales características de Henry Fonda, Hank para los amigos, es su peculiar forma de caminar. De hecho, algunos de los directores con los que trabajó decidieron incluir en sus películas escenas del actor caminando como garantía segura de que enriquecería el resultado global. Sus andares eran genuinamente cinematográficos.

No es de extrañar, pues, que también se incluyeran en sus títulos diversas escenas de baile. Esa manera tan elegante de caminar debía ir pareja, por lógica, con un elegante sentido del ritmo.

Incluso en la etapa madura del actor encontramos divertidas escenas de baile en las que Henry es protagonista.

“Los desbravadores” es un divertido western que coprotagonizan Henry Fonda y Glenn Ford, dos vaqueros trotamundos especializados en desbravar caballos, que son acompañados durante toda la película por un tercer coprotagonista, un peculiar caballo ruano. Entre trabajo y trabajo, estos vaqueros sacan tiempo para dedicárselo a dos hermanas que les brindan todo tipo de atenciones. Entre otras, un baile organizado por ellas al más puro estilo del Oeste. Henry y Glenn aportan aquí sus diferentes modos de afrontar el ritmo musical en una muy simpática escena.

En “La pícara soltera”, comedia americana sin más pretensión que la de entretener, la pareja protagonista formada por Natalie Wood y Tony Curtis es reforzada por Henry Fonda y su pareja en la película, otro mito cinematográfico llamado Lauren Bacall. Fonda y Bacall dan vida a un maduro matrimonio con pequeñas crisis, las cuales no impiden que se marquen un divertido baile al estilo del twist donde los dos actores demuestran sus tablas en el terreno de la comedia.

Pero a Henry estas escenas musicales ya no le pillaban de improviso. Llevaba a sus espaldas una carrera cinematográfica en la que el baile hacía su aparición de vez en cuando y, en muchas ocasiones, como elemento crucial en el desarrollo de la trama.

En “Jezabel” la escena del baile que protagonizan Henry Fonda y Bette Davis llega a cambiar el curso de los acontecimientos. El baile al que son invitados Julie y Preston tiene unas normas de etiqueta muy estrictas. Entre otras, el que las solteras a punto de casarse luzcan el consabido vestido blanco y no el que escoge Julie a última hora. Premeditadamente decide transgredir esta norma presentándose con un espléndido vestido rojo escarlata, segura de que, pese a todo, deslumbrará a los asistentes al baile. Pero su entrada en la fiesta es acogida con frialdad.

Esta magistral secuencia, cuyo rodaje llevó un total de cinco días, está magníficamente concebida por el director William Wyler, un maestro en la materia. Wyler nos transmite el embarazo que crea tal situación, el desprecio hacia Julie de los asistentes al baile y la venganza de su novio, que lleva el capricho de ella hasta el final obligándola a bailar ante el numeroso público, que se aparta dejando a la pareja sola.

Y todo ello se nos muestra sin apenas diálogo. Con esta escena, Henry le brinda magistralmente a Preston, hasta ahora falto de personalidad, la garra y el orgullo que requiere para resistir con la cabeza bien alta la pública humillación del caprichoso personaje que interpreta Bette Davis.

En “Las uvas de la ira” la pareja de baile la forman Tom Joad y su madre. Maravillosamente interpretados por Henry Fonda y Jane Darwell, estos dos personajes bailan al son de la melodía “The red river valley”, a la que el propio Fonda le añade su voz. La escena, tan triste como entrañable, recoge las condiciones sobrehumanas que vive la familia Joad, aquí en un intento de Tom por animar el ambiente. Fue dirigida por John Ford. No hace falta decir más.

Y es precisamente Ford, sin duda alguna el director que mejor conocía los recursos actorales de Fonda, el que nos regala las dos escenas de baile más entrañables de Henry.

En “Fort Apache” nos encontramos a un Henry Fonda serio, recto, como el estricto coronel al que da vida en pantalla. Por ese mismo motivo, la escena de baile que ilustra esta película resulta tan chocante y tan eficaz al mismo tiempo. El baile que protagoniza Fonda con su pareja es solemne y muy preciso en su forma, como la vida que lleva el coronel, sin salirse de su recto camino. Pero Ford le añade un detalle cómico a través de Henry quien, al igual que su pareja femenina, intercala unos pequeños y divertidos pasos laterales al conjunto del estudiado baile.

Baile del coronel

Sin dejar en ningún momento de ser efectuado con una perfección al milímetro, el director le está dando a la escena al mismo tiempo el inconfundible “toque fordiano”. Forma de bailar la de Henry que contrasta con la del resto del ejército, más acorde al ambiente de un baile de tales características. Escena sencilla por un lado pero que nos dice mucho en cuanto al personaje del coronel que interpreta Henry Fonda.

“No puedo ahora recordar mejor ejemplo de un gran actor que el de Henry Fonda interpretando al sheriff Wyatt Earp digno, serio, torpe, limitado, enamoradizo, vengativo y envarado, que conduce de su brazo a una joven hacia un baile campestre por los caminos polvorientos de un pueblo de frontera”

(Juan Antonio González Fuentes, escritor)

En “Pasión de los fuertes” nos encontramos un baile tan típico de esa época como de las películas de John Ford. Wyatt Earp, el personaje que encarna Henry Fonda, acaba de salir de la barbería, donde le han acicalado con perfume, aroma que él va emanando y explicando a quien se cruza en su camino. Wyatt se dirige con Clementine al baile que Tombstone celebra en su iglesia a medio construir, bajo las banderas ondulantes de los Estados Unidos.

Baile Wyatt y Clementine

Una vez llegan allí, Earp no se decide a salir a la pista, y cuando lo hace, los músicos paran de tocar para recalcar que van a bailar ellos. Es decir, justo todo lo contrario a la tímida intención de Wyatt. El baile de la pareja que vemos a continuación nos vuelve a demostrar el excelente tándem cinematográfico que formaron Fonda y Ford.

Escena mágica, entrañable y antológica de Henry Fonda, de John Ford, de las películas del Oeste y de la historia del cine en su totalidad.

“¿El cine? ¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine”

(JOHN FORD)

MR. ROBERTS

2009-07-21T09:50:00.007+02:00

Mr. Roberts es el protagonista de la película "Escala en Hawaii". Interpretado en la gran pantalla por Henry Fonda, que anteriormente también le dio vida en la escena de Broadway, fue siempre un personaje tremendamente entrañable para el actor. "Escala en Hawaii" estaba basada en una obra de teatro que, a su vez, era la adaptación de una novela.

Thomas O. Heggen es el autor de la novela bestseller "Mister Roberts", publicada en 1946. En ella, Douglas Roberts, oficial de navío durante la Segunda Guerra Mundial, defiende a su tripulación de la tiranía de su capitán. Muchas de las acciones tienen lugar en el barco "USS Reluctant", que navega "de la apatía al tedio haciendo ocasionales escalas en la monotonía y el aburrimiento".

Hegen concibió la novela como una sucesión de historias cortas. Gran parte de los incidentes cómicos que aparecen en ella, como el tirar él mismo por la borda la dichosa palmera del capitán, estaban basados en su experiencia real a bordo del USS Virgo, donde Heggen sirvió en el Pacífico Sur como teniente durante la Segunda Guerra Mundial.

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"Mr. Roberts" (1948) se llama también la adaptación al teatro de la novela de Heggen. Una de las más sólidas obras que aparecieron tras la Segunda Guerra Mundial.

En 1947, Henry Fonda se encontraba en Nueva York intentando convencer a su amigo Joshua Logan para que dirigiese una película que el actor iba a interpretar. Pero Logan sólo le hablaba de la comedia teatral que acababa de escribir junto a Thomas Heggen, que iba a ser producida por Leland Hayward y dirigida por él mismo en Broadway. Logan le comentó a Fonda que sentía que no la pudiera interpretar, dado el compromiso cinematográfico que tenía entonces el actor. Aunque Heggen y Logan no lo hablaron en profundidad, ambos tenían en mente a Henry cuando escribieron la obra. No sorprende, pues, que Mr. Roberts posea algunos rasgos familiares del actor. Es amable, sincero y compasivo, un hombre que busca un significado a su vida. En sus deseos de entrar en combate, y en sus continuos desafíos al capitán, despliega el calmado heroísmo de figuras como Wyatt Earp o Abraham Lincoln (personajes que Fonda había llevado a la gran pantalla con gran credibilidad). Mr. Roberts es también un hombre decente que se opone a cualquier clase de tiranía.

A Henry Fonda le encantó el guión. Tanto que pidió a su agente que le librase de su actual compromiso cinematográfico para poder vincularse al proyecto teatral. En él veía una posibilidad de regeneración personal y profesional. En esos momentos, Henry no encontraba en el cine la calidad que hubiera deseado. El escenario, sin embargo, siempre le había ofrecido algo que necesitaba de la interpretación y que no conseguía en la gran pantalla: hacer una caracterización intensa y compleja, esa huída de sí mismo que le había hecho desear ser actor por encima de todas las cosas ("Cuando interpreto me pongo una máscara, y cuando hago esto, ya no me siento tímido o cohibido en absoluto, porque sé que cuando estoy en el escenario, voy a ser divertido, brillante e ingenioso... Voy a ser otra persona que no soy yo en absoluto").

Abandonó Hollywood en el Otoño de 1947 y empezó los ensayos.

La obra de teatro tuvo su premiere en Broadway, en el Alvin Theatre, el 18 de Febrero de 1948. Henry Fonda en el papel protagonista y llevando el uniforme que había traído a casa después de la guerra. El reparto lo completaban David Wayne, Robert Keith y Jocelyn Brando, que reemplazó en el último momento a Eva Marie Saint. Los anuncios del Alvin Theatre de Nueva York proclamaban: "¡Henry Fonda en persona!"

La noche del estreno fue exactamente la clase de experiencia regeneradora que Henry estaba buscando. El público de la noche inaugural estaba entusiasmado, y algunos se pusieron en pie en sus butacas para aplaudir a Fonda. Para el actor fue la noche más excitante de su vida. Al día siguiente, los críticos derrocharon elogios, especialmente para su contenida interpretación. Por fin Henry tenía el éxito teatral con el que había soñado desde sus días en la Omaha Community Playhouse.

"Anoche el público no se fue a casa hasta que Mr. Fonda salió a hablar. Dijo: "Esto es todo lo que Tom y Josh escribieron para nosotros. Si quieren, podemos empezar otra vez". Me quedé por allí un rato, esperando que lo hiciesen"
(John Chapman, "Daily News". 19 Febrero 1948)

"Como Mr. Roberts, Henry Fonda está ofreciendo una gran interpretación. Actúa con innata simplicidad, mezclando matices de caridad y angustia que no sólo hacen del personaje una persona de verdad, sino que lo más importante, verifica la apasionada devoción masculina de la tripulación"

(William Harkins, "New York World-Telegram". 19 Febrero 1948)

La obra se preparó para un largo recorrido. Enseguida se agotaron las entradas para las representaciones de los dos años siguientes. En la primera mitad de 1951, Henry inició una gira por todo el país con "Mr. Roberts". Seguía cancelando papeles en el cine, esperaba volver a Hollywood, pero decidió quedarse en la obra hasta que finalizó la temporada. Fue un éxito constante que culminó en Los Ángeles, donde la obra estuvo en cartel ante un entusiasta público. El soberbio trabajo de Fonda al frente de la obra fue reconocido con un Premio Tony, al que seguirían otros muchos galardones.

"Él se preocupa. Le importa. No está satisfecho con que las cosas estén simplemente bien. "Simplemente bien" es, para Fonda, un pecado cardinal. Es un crimen contra su religión, el teatro"

(Joshua Logan)

"Mr. Roberts" tuvo más de mil representaciones teatrales. Henry Fonda no se perdió ni una sola, todas ellas de gran éxito. El 4 de Agosto de 1951 fue la última representación. La obra se había mantenido en Broadway durante tres años.

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En Agosto de 1953, el productor de Broadway Leland Hayward vendió los derechos de "Mr. Roberts" a la Warner Bros. Como previas condiciones, Hayward produciría la versión cinematográfica y Logan la dirigiría.

Fonda contaba entonces veinte años más que el personaje de Mr. Roberts. Realmente, no esperaba conseguirlo, a pesar de su obvia identificación con él. El estudio pensaba que se resentiría su interpretación en pantalla al haber estado tanto tiempo en el teatro, lejos del cine. El papel protagonista le fue ofrecido a William Holden, una de las figuras del momento. Pero Holden lo rechazó por considerar que el rol le pertenecía a Fonda y a nadie más. La Warner entonces se lo ofreció a Marlon Brando, de quien se dijo que lo había aceptado.

Por su parte, Joshua Logan había abandonado el proyecto de dirigir la versión cinematográfica tras escribir el guión junto a Frank Nugent. Y apareció en escena John Ford. Ford aseguró que no quería otro actor que no fuera Henry Fonda ("Si él no hace la película, entonces yo tampoco la haré").

Henry no había regresado al cine desde su teatral "Mr. Roberts". Sin ningún ofrecimiento interesante para la gran pantalla, se metió de lleno en otras dos obras: "Point of no return" y "The Caine Moutiny Court Martial". Sin embargo, aunque los productores de esta última intentaron convencerle de que se quedara todo el tiempo que la obra permaneciese en cartel, Henry tenía ante sí la casi seguridad de dar vida a Douglas Roberts en la versión cinematográfica. Para el público, y para el propio Fonda, él y Roberts eran almas gemelas. "Mr. Roberts" era algo que llevaba muy metido en el corazón, un triunfo personal profundamente relacionado con las experiencias emocionales más importantes de su vida.

Dado que John Ford significaba mucho en ese momento en la taquilla, la Warner aceptó. Este triunfo de la lógica sobre lo comercial supuso el renacimiento de Fonda en el cine. El actor, además, estaba magistralmente arropado por dos grandes del cine clásico: James Cagney (el odioso dueño de la palmera) y William Powell (en su última actuación, absolutamente deliciosa, para la gran pantalla). Redondeaban el reparto Ward Bond, Ken Curtis, Patrick Wayne y Harry Carey, Jr. Y también aparecía en esta película Jack Lemmon, entonces un joven actor que se estaba haciendo camino en el cine y que obtuvo por su creación de Pulver nada menos que el Oscar al mejor actor secundario.

La película fue rodada en Hawaii y en la Midway Island. "Araner", el propio yate de John Ford, sirvió de estancia del reparto durante el rodaje. Durante el mismo surgieron desavenencias entre Fonda y Ford. El primero quería respetar al máximo la obra teatral, que consideraba sublime. El segundo quería poner más énfasis en los aspectos cómicos de la obra. Más adelante, Ford tuvo que ausentarse por problemas de salud. El director Mervin LeRoy fue solicitado para terminar la película, ayudándole en esta tarea Joshua Logan. Ambos decidieron respetar por completo el inconfundible estilo de John Ford: combinación de comedia y sentimiento, vigorosa camaradería entre los hombres, nostalgia por un tiempo que se escapa...

El escenario de la película es el Pacífico Sur en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial. Y la acción tiene lugar a bordo de un buque de carga, el "U.S.S. Reluctant". El barco opera en la retaguardia de la guerra y su capitán (James Cagney en uno de sus mejores papeles) es un hombre maleducado, pomposo y aburrido, cuya única señal de compasión es el cuidado que presta a la palmera que tiene en cubierta. Esa palmera se convierte en un símbolo de la frustración de la tripulación, mientras sueñan con volver a casa, con mujeres y otros placeres. Doug Roberts (Henry Fonda), el oficial de carga del "Reluctant", está del lado de sus hombres y hace de parachoques entre ellos y el odioso capitán.

"Escala en Hawaii" tuvo un éxito rotundo en taquilla en su estreno en Nueva York el 14 de Julio de 1955. Además del citado galardón a Lemmon, estuvo nominada a mejor sonido y a mejor película.

Evidentemente, Ford no se equivocó en su elección del actor protagonista. La actuación de Fonda en la pantalla es, sencillamente, magistral. Henry resiste en medio del talentoso reparto con extremo aplomo, y equilibra amabilidad y fuerza, compasión y desprecio, sutil sarcasmo y abierto desafío. Lo había interpretado durante tanto tiempo en la escena que llevaba muy dentro el personaje. El teniente Doug Roberts restituyó en toda su integridad las virtudes de Fonda para la comedia. Incluso añadió a su personaje un nuevo matiz. En la versión teatral, Henry sólo tenía once años más que David Wayne, el actor que interpretaba a Pulver. Ahora era veinte años mayor que Jack Lemmon, homólogo de Wayne en la película. Podía apreciarse la diferencia no tanto en su aspecto como en su carácter. Roberts, aunque lo bastante joven para ser un rebelde y un verdadero amigo para los marineros, también es lo bastante maduro para expresar un aire de adulta autoridad y para ser el mediador y la figura paternal de la tripulación. En la obra y en la película él es el centro sobre el que gira todo lo demás.

"Fonda no parece estar interpretando a Mister Roberts, es Mister Roberts"

(William K. Zinsse, "New York Herald Tribune")

Para un actor que había brillado en el papel teatral durante tres años, no podía ser de otro modo. Comenzaba así con buen pie el retorno de Henry a la gran pantalla, fructífero en películas de calidad y en valiosas interpretaciones. Volvía a estar solicitado como siempre. Era como si no se hubiese marchado.

Para Fonda, el personaje de Mr. Roberts fue siempre muy especial. Por la satisfacción personal que le había aportado en teatro y por la gratificación añadida en la gran pantalla. Su nieto Justin (hijo de Peter) era a menudo invitado por Henry a su casa. Sus amigos de pandilla le preguntaban qué hacía allí y Justin contestaba: "Mirar películas". Cuando los chicos querían saber cuáles, Justin decía: "Escala en Hawaii".

En 1979, cuando Henry Fonda contaba ya 74 años de edad, le dieron un merecido homenaje en el Kennedy Center por toda su carrera como actor. En un momento de la ceremonia, el coro naval cantó para él. Su esposa Shirlee se encontraba a su lado ("En realidad, no pude verle demasiado bien la cara porque estaba un poco detrás de él. Pero su cuerpo era tan expresivo que podía sentir su emoción cuando el coro naval cantó").

Al terminar, un miembro del coro se acercó al micrófono y, dirigiendo a Henry Fonda su saludo, dijo: "Thank you, Mr. Roberts".